di Alberto Mugnaini
Nel lavoro di Koka Ramishvili la sperimentazione di media differenti è funzionale a una inesausta volontà di affrontare i problemi relativi alla formazione delle immagini e alla loro pretesa aderenza alla realtà fenomenica. L’interrogazione sul percorso che intercorre “dal documento all’immagine”, in un incessante movimento di verifica, diventa per l’artista una parola d’ordine e una dichiarazione d’intenti che compendia il senso della sua procedura creativa.

Egli parte da un’osservazione sul reale per interrogarsi sulla messa a punto dei modi della sua documentazione e comunicazione in termini visivi, investigandoli attraverso un filtraggio critico che ne evidenzia tutte le ambiguità ed aporie. Come ha scritto Viktor Misiano, “tutto il percorso dell’artista non è solo lavoro con le immagini, ma anche una conseguente e infaticabile ricerca su queste immagini in quanto fenomeni”. E il meccanismo di formazione delle immagini viene incessantemente decostruito, smascherando allo stesso tempo l’arbitrarietà delle convenzioni rappresentative e l’illusione di una percezione immediata
e incontaminata della realtà.
Così nel video Drawing Lessons, l’atto del disegnare viene preso nel vortice di una frenesia motoria, di una disturbante sequenza di scosse elettriche, come se dalla punta della matita partissero scariche capaci, nell’arco di frazioni di secondo, di delineare e cancellare il segno senza posa, lasciando balenare nella nostra retina nient’altro che la sua traccia incenerita.
Fotografia e pittura, video e disegno sono legati da una continua simbiosi e nello stesso tempo separati da un’insanabile inaderenza. Se il documento si duplica nell’immagine, questa continua poi a sdoppiarsi per conto suo, in un movimento sempre imperfetto, o forse semplicemente inconcluso e inconcludibile, mettendo in evidenza, ogni volta, la sua alterità, la sua alterazione. Soggetti che in precedenti cicli erano stati indagati attraverso fotografie e video e recepiti in modo “documentario”, vengono ora tradotti e duplicati attraverso il medium pittorico, lasciando scoperti, in questi passaggio, avanzi di senso e pieghe d’incomprensione.
Si tratta di soggetti volatili, gesti irrilevanti, falsi movimenti, atti mancati, bersagli falliti, tutta una sequenza di azioni che si rispecchiano in un’ottica bipolare e sghemba, e che inducono a riflettere sul mistero che separa la percezione dei fenomeni da una loro inattingibile realtà ontologica e sull’arbitrarietà delle rappresentazioni in cui questi vengono tradotti.
Ramishvili, che, standosene all’interno del suo appartamento, aveva documentato in un memorabile video gli avvenimenti epocali che si svolsero nella capitale del suo paese all’epoca del collasso del regime comunista, trasporta ora queste atmosfere di sospensione e di insicurezza in un ambito più privato, avendo sempre di mira quelle che sono le sue tematiche ricorrenti: le crepe del nostro agire, le interruzioni e le disfunzioni nel flusso degli accadimenti, le crisi di identità, la relatività dei processi di percezione.
L’atto del dipingere, lungi dal voler essere indagato come strumento espressivo e come linguaggio a sé stante, si limita a funzionare, per l’artista georgiano, come uno dei possibili dispositivi per anatomizzare le patologie della rappresentazione.
Nel processo di sdoppiamento che coinvolge la ricezione di un’immagine è come se le nostre sicurezze risultassero repentinamente opacizzate, con punti di vista che saltano e mutano orientamento, volumi pieni che si svuotano di consistenza, porzioni di gesti che si liquefano nello spazio del loro agire, disfacendosi in vane campiture d’ombra colorata.
La pittura sembra essere contagiata da una virale incompiutezza, e ne esce come assiderata e solarizzata, innescando una trama di rispecchiamenti devianti e impercettibili diffrazioni, in cui soggetto e oggetto della visione si giocano una posta che si sdefinisce senza posa nel suo stesso raddoppiarsi.

Koka Ramishvili
Double V
dal 20 settembre al 22 ottobre 2010

ARTRA
Via Burlamacchi, 1
20135, Milano
+ 39.02.5457373
www.artragallery.com
info@artragallery.com

Share This

a cura di Elio Grazioli
Laveronica arte contemporanea è lieta di presentare dal 7 Agosto al 3 Ottobre Guarda avanti, e tutto ciò che ami svanirà, mostra, personale di Francesco Lauretta.
Questo è lo stato dell’arte oggi, per Francesco Lauretta, che la pittura restituisce meglio di qualsiasi altro medium: stiamo per chiudere, a!rettatevi ad uscire! I visitatori lo troveranno detto esplicitamente alla “ne della mostra, al neon: “Uscite, uscite, stiamo chiudendo!”. Intanto, a riceverli ci sarà una gabbia, vuota.

Doveva contenere un gallo da combattimento, di quelli sgargianti nei colori delle sue penne e aggressivi, cresciuti per la lotta: bella metafora dell’artista e dell’uso della pittura. Ma ora dov’è? Il doppio senso del titolo aiuta a comprendere: Ex stasis, assenza e estasi insieme, stasi e movimento insieme. Eccolo infatti lì accanto, in pittura, il gallo assente, ma ormai trasformato in pollo arrosto, non senza gustoso contorno di patate al forno. Ah, la carne è debole e caduca, nello stesso tempo in cui è succulenta e invitante! Ah, la morte è sempre in agguato! L’estasi è solo dello spirito. La morte incombe in questa mostra, ma la tonalità dell’arte di Lauretta è insieme allusiva e seducente, triste e impavida, assertiva ma aperta, decisa ma malinconica, non forza lo spettatore ma lo interroga, poeticamente, avvolgendolo, quasi raccontandogli una
storia. Il quadro centrale, il quadro grande della mostra è uno di quelli con una processione tipica delle feste religiose siciliane, come Lauretta ne ha già dipinte, ma questa volta il momento “ssato – fotogra”camente – è quello del cedimento, del crollo di alcuni portatori che rovinano sotto il peso del baldacchino che sta per cadergli addosso. Una festa che “nisce male, una caduta che è immagine dei nostri tempi. L’apocalisse, com’è noto, è anche rivelazione – apo-calipsis –, svelamento. È forse quello a cui allude il ritratto che costituisce l’altro quadro della stanza, una sorta di centro eccentrico dell’esposizione: grottesco ma lucente, dal titolo
illuminante: Lo splendore portato come un mantello.

Una visione di un cimitero di lapidi segnate con soli numeri chiude la mostra prima che la scritta al neon ci ingiunga di uscire al più presto. Si chiude dunque, ma che cosa veramente? La pittura, dicevamo, esprime meglio di qualsiasi altro medium questo stato delle cose, perché non lo rappresenta solamente ma lo è intrinsecamente.

Francesco Lauretta
Guarda avanti, e tutto ciò che ami svanirà
a cura di Elio Grazioli
dal 7 agosto al 3 ottobre 2010
Inaugurazione: sabato 7 agosto ore 21.00
Orario galleria: dal martedì alla domenica
15:00 – 22:30. Fuori orario su appuntamento
via Grimaldi 55 – Modica (RG)
gallerialaveronica@gmail.com
cell. +39 3392429308
U!cio Stampa:
Rosa Carnevale
rosacr@hotmail.it
ros.carnevale@gmail.com
+39 339 1746312

Share This

In concomitanza con l’esposizione annuale 2010 dell’Accademia di Belle Arti di Norimberga, gli artisti Lisa Saumweber, attualmente residente a Palermo, e Dominik Schmid, presentano il progetto BYTESYSTEM: NBG – PMO, una delicata interferenza tra lo spazio vissuto e quello percepito.
Un semplice programma di istant messaging e due piccole webcam, installate rispettivamente a Palermo e Norimberga in corrispondenza di due pareti assolutamente bianche, trasformano lo spazio in uno specchio riflettente capace di generare un’immagine alterata della realtà, rispedita in luoghi assolutamente distanti.

 E’ lo spettatore a decidere se interferire con il “sistema” divenendone parte o fuggire dall’angolo di ripresa.
La parete bianca accoglie quindi un’identica parete bianca, registrata in tempo reale, proiettata e destinata a dissolversi al termine della connessione assecondando la natura effimera della vita, così come in molti dei progetti di Lisa e Dominik.

ZELLE ARTE CONTEMPORANEA
Via Matteo Bonello n°19 / Via Fastuca n°2, 90134 Palermo.
+39 3393691961 www.zelle.it  zelle@zelle.it 

LISA SAUMWEBER / DOMINIK SCHMID
BYTESYSTEM: NBG – PMO

OPENING/ Sabato 17 luglio 2010 h.19.00

Share This

Il 28 giugno si inaugura al Santa Maria della Scala di Siena la mostra dei Bozzetti del Palio di Luglio 2010 affidato al pittore Ali Hassoun. La mostra sara’ aperta al pubblico sino all’18 luglio.

Share This

The Impressed è il titolo della prima mostra personale italiana dell’artista Chosil Kil presso la Galleria Enrico Astuni di Pietrasanta.
Il titolo The Impressed (l’impressionato/a) evoca una forma che si genera dopo l’incontro tra due diversi corpi, siano essi oggetti, elementi architettonici o materiali. The Impressed può riferirsi anche alla sensazione provocata da un’im magine che si imprime nella memoria dell’artista.

Ma al di là delle interpretazioni, l’avvicinamento ed il contatto, graduali o violenti, sono i presupposti per cui l’ “impressione” avvenga ed un frammento, un reperto od una nuova forma rimangano come testimonianza di questo incontro/scontro. Paradossalmente il titolo della mostra è stato pensato prima della visita di Chosil Kil a Pietrasanta e quindi precedentemente a quell’incontro che permettesse all’artista di sapere se e come queste impressioni sarebbero emerse. The Impressed è quindi stato scelto quasi come una dichiarazione di intenti ad esprimere il chiaro obiettivo di voler entrare in dialogo con il luogo ed il contesto senza la possibilità di poter fallire.

dal 26 giugno al 22 luglio 2010
Pietrasanta 55045 P.zza Duomo, 37
orari della mostra: tutti i giorni 10.30-13 / 17-20.30 / 21.30-24

GALLERIA ENRICO ASTUNI
V ia Iacopo Barozzi, 3, 40126 Bologna
Ph: +39 051 4211132 F: +39 051 4211242
P.zza Duomo, 37, 55045 Pietrasanta
Ph1 & F: +39 0584 71760 Ph2: +39 0584 20623
info@galleriaastuni.it / www.galleriaastuni.com

Share This

Il 22 giugno inaugurerà il secondo appuntamento della prima serie di mostre sintetiche dedicate ad artisti tedeschi con i quali Franz Paludetto ha collaborato negli ultimi vent’anni.

Jürgen Drescher, originario di Karlsruhe, nel corso degli anni Novanta ha realizzato alcune importanti esposizioni al Castello di Rivara – Centro d’Arte Contemporanea, dedicando costante attenzione alla composizione tridimensionale e realizzando installazioni che intrecciano tra loro elementi diversi e creano relazioni semantiche inaspettate tra oggetti di uso comune ricontestualizzati, nella tradizione del post ready-made.
Il lavoro proposto in quest’occasione e presentato a Documenta Kassel a metà del decennio scorso sintetizza attraverso pochi “gesti” le linee principali di quell’immaginario che Drescher sembra far proprio nel momento stesso in cui lo rende leggibile allo spettatore.

martedì 22 giugno 2010 ore 18:30
22 giugno – 30 luglio, su appuntamento
Franz Paludetto, Via degli Ausoni 18, 00185 Roma
Simona Cresci +39 327 7570404
www.franzpaludetto.com
info@franzpaludetto.com

Share This

a cura di Rosanna Padrini
La Fondazione Comineli è lieta di ospitare negli spazi di Palazzo Cominelli questa mostra di Piera Crovetti che per l’occasione presenterà tre distinti gruppi di opere, alcune delle quali pensate appositamente per l’occasione.

Il fare di Piera Crovetti ed i suoi interventi sulle superfici in porcellana sono distinti da una semplicità apparente che in realtà è a tutti gli effetti una complessità risolta. I suoi lavori sono pezzi unici ed irripetibili, spesso pensati per chi andrà a possederli e ne farà uso. Le tecniche impiegate, apprese da ragazza e negli anni ottimizzate ed affinate, si basano su saperi e su formule antichissime, tanto che alle volte può essere difficile reperire le materie prime delle quali si serve. Attraverso il pennino, il pennello o la spugna avviene l’intervento sulle candide pareti delle porcellane, bianche o di colore avorio, dalle fogge regolari e discrete, prevalentemente provenienti da Limoges.
In mostra saranno compresi una serie di vasi dalle forme regolari, i cui titoli rimandano alla natura ed ai suoi elementi: Nuvola, Sabbia, Cielo, Notte, Luna, Aurora, Sole d’inverno, alcuni oggetti d’uso quali servizi di tazzine da te o da caffé, vassoi e contenitori ed un importante lavoro titolato Cento passi, costituito da un insieme ordinato di cinquanta paia di scarpine decorate e colorate. Tutte le opere proposte, pur nella loro diversità, sono accomunate da un intervento meditato e curato nei minimi dettagli che porta il colore, come l’artista spiega, a diventare un manto iridescente che accarezza la materia sublimandone i contorni con l’intenzione di farli appartenere al mondo puro e perfetto, senza pensare ad altro che alla bellezza della luce.
La rassegna, curata da Rosanna Padrini, sarà accompagnata da un catalogo contenente le immagini di tutte le opere in mostra fotografate da Giorgio Colombo ed uno scritto di Federico Sardella.

Fondazione Cominelli, Cisano di San Felice
inaugurazione sabato 12 giugno 2010, dalle ore 18.00
La mostra sarà visitabile sino al 27 giugno

PALAZZO COMINELLI
via Padre F. Santabona, 9
Cisano di San Felice del Benaco
25010 Brescia

Share This

Usate come filtri, le cartine colorate creano degli effetti cromatici e di messa a fuoco che trasformano le scene e i momenti del quotidiano in immagini permeate da un’atmosfere sospesa, rarefatta, che ricorda la sperimentazione fotografica del passato. Il forte carattere onirico che ne deriva è enfatizzato dallo sguardo selettivo con cui l’artista cattura la realtà: momenti di abbandono, di oblio di sé – la siesta sotto l’albero, il salto nel vuoto -  momenti in cui la soglia del controllo razionale viene meno e si entra in una diversa dimensione percettiva del reale. Il piccolo filtro colorato diventa così il congegno infantile e giocoso attraverso cui rivelare un altro, possibile, aspetto del quotidiano, seguendo il pensiero presocratico per cui “la natura delle cose ama nascondersi”.
La cartina della caramella funziona allora come il pozzo in cui cade Alice: è il dispositivo attraverso cui Guendalina Salini opera uno slittamento di senso, uno spaesamento del mondo conosciuto che è proprio del perturbante, ma che è anche dello sguardo dell’artista; la capacità di vedere oltre l’opacità del mondo il lato nascosto delle cose, le pieghe invisibili della supposta “realtà”.
Uno sguardo indiretto il suo, interrotto dal filtro che cattura l’immagine. La visione indiretta, come ci dice Calvino quando ci racconta di Perseo con la testa di Medusa, non è il rifiuto del mondo in cui viviamo quanto piuttosto atto di resistenza, di forza: la distanza necessaria per uno sguardo creativo e poetico sulla realtà.
E l’artista è colei che riesce con un piccolo gesto, leggero e preciso, a trasformare una cosa quasi invisibile del nostro quotidiano, la cartina colorata della caramella appunto, in un dispositivo poetico della visione, attraverso cui suscitare quel senso di meraviglia nel guardare il mondo che è proprio dello sguardo trasognato e magico dell’infanzia.

La poetica del piccolo gesto semplice, del gioco e del superfluo che ispira questo lavoro ci riporta al pensiero Fluxus di un’arte che, come il lavoro di Guendalina, sia “semplice, divertente, non pretenziosa, che si occupi di cose insignificanti, che non richieda alcuna disposizione particolare, che non abbia alcuna comodità o valore commerciale”.
Allo stesso modo, il libro/scatola “Kit per la sopravvivenza della visione” ricorda i Fluxkit, quei multipli-scatole ripiene di proposte formali semplici, immediate e giocose inventate dagli artisti per stimolare la partecipazione attraverso l’esperienza.
Il Kit funziona come un gioco che ricorda formalmente anche le antiche scatole dei giochi divise in vari scomparti in cui trovano posto le piccole fotografie ordinate secondo il colore del filtro utilizzato, giallo, rosso, verde e blu, le cartine di caramella unite come le carte di colore di un Pantone – dispositivo da usare per il gioco -, e infine le istruzioni per produrre le proprie fotografie.

Il pieghevole di istruzioni per l’uso, un diagramma con diverse parole e indicazioni per giocare a inventare visioni, riassume, credo, il senso di questo lavoro “sui generis” di Guendalina, e cioè la fiducia nella potenzialità del gioco per stimolare la percezione e provocare un altro sguardo sul mondo, ritrovandone la poesia e la magia oltre l’apparente banalità del quotidiano, a patto di giocare, cioè partecipare e condividere, insieme il gioco dell’arte.

Guendalina Salini ha studiato e vissuto a Londra ed attualmente risiede a Roma. Ha esposto il suo lavoro in Inghilterra ed in Italia, partecipando a mostre collettive e personali. In Italia negli ultimissimi anni ha preso parte al progetto ’Artist’s Corner’ (Auditorium Parco della Musica, Roma), al Festival del Cinema di Locarno, al Festival del Cinema di Roma, alla Fondazione Isola di San Servolo (Venezia), alla Fondazione Baruchello ed alla Fondazione Fendi.

Il lavoro di Guendalina Salini si muove tra ironia e meraviglia. Le sue installazioni, collage e video si nutrono del linguaggio dell’arte e si misurano con la transitorietà e l’impermanenza, ponendo sempre come strumenti prioritari del suo linguaggio espressivo la mobilità e la leggerezza attraverso i quali è possibile aprire nuovi spazi poetici. Le sue opere giocano con l’effimero e la sospensione: si tratta di immagini che sembrano sul punto di sparire, collage di coriandoli, disegni eseguiti sul muro con tanti piccoli fori, parole scritte su un lenzuolo e poi lavate via, girandole di carta colorata, ombre che si inseguono su una parete…

Guendalina Salini
Attraverso
kit per la sopravvivenza della visione
a cura di Anna Cestelli Guidi
fino al 19 giugno 2010
dal martedì al sabato 10:30-20:00

s.t. foto libreria galleria
via degli ombrellari, 25
Roma 00193
tel/fax +39 06 64760105
info@stsenzatitolo.it
www.stsenzatitolo.it

Share This

Bahman Jalali
Photography in Iran 1966 – 2010
Villa Romana
23.06. – 29.08.2010

Il nostro sentito ringraziamento va a Rana Javadi per la sua generosa collaborazione.

Share This

Catalogo disponibile in Galleria con testo critico di Silvia Criara.

TAMARA FERIOLI
MEKÁNEMA
Dal 10 giugno al 11 settembre 2010
Inaugurazione 10 giugno 2010 ore 18:00

STUDIO D’ARTE CANNAVIELLO
Via Stoppani, 15 20129 Milano
t. +39.02.20240428
f. +39.02.20404645
www.cannaviello.net
info@cannaviello.net

Share This